Cultura • ENTREVISTA

"Busco generar una imagen que siga teniendo valor después del show"

Diseñador gráfico, serigrafista, afichista y fundador de una imprenta que le permite trabajar desde la autogestión, Santiago Pozzi es uno de los máximos referentes del rubro y llegó a entintar proyectos para Pearl Jam, Litto Nebbia y Tame Impala, entre otros. 

Benjamín García // Martes 30 de mayo de 2017 | 20:39

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Varios de los trabajos de Pozzi.

Santiago Pozzi mantiene la tranquilidad de un tipo del interior: antes de mudarse definitivamente a Buenos Aires, pasó su infancia entre Venado Tuerto y Pergamino. Mientras prepara el mate y acaricia a Tigre, su perro, aprovecha para recordar que estuvo trabajando en el arte de tapa del último disco de Los Espíritus, "Agua ardiente". Desde una habitación de su casa, en Caballito, se escucha la voz de Alfredo Zitarrosa, que acompaña perfectamente los últimos minutos de una tarde nublada de otoño.

 

Santiago es diseñador gráfico egresado de la Universidad de Buenos Aires, serigrafista, afichista y fundador de Imprenta Chimango. Gracias a su técnica basada en la serigrafía, que en comparación con otros métodos de impresión requiere de menos inversión y permite trabajar desde la autogestión, ha colaborado para distintos artistas y es uno de los máximos referentes de la actualidad.

 

Todo empezó un día que decidió visitar a sus tíos radicados en Estados Unidos y se animó a probar suerte en The Firehouse, una imprenta de California, que imprimió posters para músicos de la talla de Johnny Cash o Bob Dylan. Santiago cuenta que al principio lo pusieron a barrer y limpiar shablones, pero a medida que pasaron los días se encontró imprimiendo afiches para la gira de Eric Clapton. Cuando regresó de su viaje, decidió fundar su propio taller especializado en serigrafía y desde ese día no paró de diseñar posters y discos para bandas como Pearl Jam, Soundgarden, Litto Nebbia, Tame Impala, Prietto, Los Alamos y Karina Vismara, por nombrar algunos proyectos entintados por Pozzi.

 

-¿Qué recursos utilizás para tratar de lograr que un afiche siga teniendo valor comunicativo o artístico una vez finalizado el evento?

-Utilizo recursos retóricos que provienen de la lingüística y la poesía, como la metáfora y la metonimia. Estas figuras acercan la imagen más al campo de lo poético. Mi principal objetivo es generar una imagen que siga teniendo valor después del show, que invite a contemplarla y haga pensar cual es el significado de esa figura.

 

-Durante las décadas del '60 y '70 en Latinoamérica hubo un gran movimiento de afichístas. ¿Te inspiraste en alguno de ellos para tus trabajos?

-Totalmente. Una de mis principales influencias fueron los hermanos Larrea, de Chile. Ellos fueron los que inventaron la tipografía que ahora se usa en el festival Lollapalooza, y no sé si les habrán dado crédito de eso. Acá en Argentina me gustan mucho los posters que hacía Edgardo Giménez, un artista pop formado en el Instituto Di Tella en la década del '60. También hay algunos trabajos que hizo Oscar Smoje en esa época. En Cuba también hubo una camada de afichístas de cine muy buenos que trabajaban con serigrafía para promocionar películas de esa época.

 

 

-En los últimos años, gracias a las facilidades que ofrecen las nuevas tecnologías, sobre todo las redes sociales, se produjo un boom de afiches en la Argentina. ¿Quiénes son los diseñadores o afichistas argentinos de la actualidad que más te gustan?

-Rescato mucho el trabajo de Carla Flores, que tiene un proyecto llamado Tu Vieja y es dueña de una sensibilidad muy personal, su trabajo me encanta. Hay un joven llamado Jonatan Florez, que tiene un estilo muy de fotocopia que está buenísimo. Los de Santi Motorizado para El Mató a un Policía Motorizado también, tienen un código visual muy identificable. Hay un estudio que se llama Gogogoch, encargado de hacer los posters de Pez que me encanta. De hecho, cuando empecé a estudiar la carrera de Diseño Gráfico en la UBA veía sus posters colgados en la FADU y me afané varios.

 

-En tus trabajos gráficos se ve una marcada distancia con la típica iconografía del rock.

-Trato de correrme un poco del discurso común del rock porque me parece que ya está muy viciado. Hay íconos o motivos visuales del rock -guitarras, amplificadores, dedos, púas- que están muy usados, sin embargo, a veces me resultan atractivos y me interesa utilizarlos para darle alguna vuelta. Por ejemplo, el año pasado diseñé un poster para el show de Kurt Vile en el festival Music Wins, justo el día en el que Donald Trump había ganado las elecciones en Estados Unidos. Para esa pieza utilicé motivos muy clásicos del rock como la manito con los dedos en señal de paz y una lengua que tomé de una gráfica de cine pornográfico de los '60 que, combinados con la bandera de Estados Unidos, daba a algo medio perverso e irónico. A la primera versión de ese afiche me la censuraron porque tenía una referencia mucho más explícita a Donald Trump.

 

-Decís que el poster es lo que está impreso en el papel y que el hecho de poder tocarlo y tenerlo es lo que lo hace una obra. ¿Te pasa lo mismo en la música, con respecto al disco en formato digital y el disco físico?

-Considero que la música es algo etéreo y flota en el aire, más allá si viene en una caja, en un pen drive o en un link, aunque como diseñador gráfico aprecie mucho el objeto real y concreto de los materiales. Por eso es que me volqué a la serigrafía; me gusta ver esos posters en un tamaño grande y que se puedan colgar en una pared y que estén presentes en una casa, además de estar en las redes sociales promocionando un evento. El poster impreso, en serigrafía, a gran tamaño y con colores intensos, tiene un valor distinto al de las redes sociales. Tampoco quiero ser un nazi de la tinta y el papel, también trabajo con muchas bandas independientes que gracias a las herramientas de las redes sociales y las páginas de streamings logran difundir su música de manera independiente y eso para mí tiene un valor increíble.

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